Catalogo

Emergenze ambientali, genetica, biodiversità, nature artificiali. Sono sempre più numerosi gli artisti che a partire da questi temi hanno avviato la loro ricerca, sviluppandone i termini di riflessione in opere che alternano indagine, denuncia, progetto e utopia. Questioni e approcci diversi con un’origine comune: la convinzione che ogni valutazione di tipo estetico non possa prescindere da una responsabilità etica nei confronti della ricerca scientifica e tecnologica, e dalla conoscenza dei suoi effetti sul paesaggio naturale e comportamentale che ci circonda. L’analisi scientifica della natura ha consentito agli artisti di addentrarsi nelle dinamiche dell’ambiente in cui viviamo, di farle proprie e di porsi in una posizione di maggiore consapevolezza, abbandonando quella “contemplazione” della natura che aveva contraddistinto la produzione artistica fino alla fine del XIX secolo e oltre.Con l’efficacia e la sinteticità proprie del linguaggio visivo contemporaneo, gli artisti d’oggi non solo si fanno interpreti di problematiche che toccano la sensibilità di molti, ma rendono tangibili scenari intangibili, altrimenti noti solo agli addetti ai lavori.Il libro si presenta come un percorso espositivo composto da una serie di “stazioni tematiche”. Capitoli visivi che attraverso un’ampia selezione di immagini accostano ricerca sul presente e prefigurazione del futuro. Ogni capitolo è arricchito da una piccola antologia di testimonianze dirette e dagli scritti dei protagonisti, cui fa da contrappunto la voce di scienziati, scrittori, etologi e storici dell’arte.

«Il concetto di classico è migrato altrove, fra i libri, dove sopravvive, a dire il vero, egregiamente e dove prospera secondo gli umori delle diverse epoche. Quando si è molto romantici torna forse meno utile, poiché gran parte delle energie letterarie, esistenziali e politiche sono rivolte all’azione. Quando si è più inclini alle incertezze prende vigore maggiore. E la nostra è un’epoca poco certa dove il conforto dei classici torna utile. È questo il percorso che Ginzberg offre di sabato sulle pagine frugali del Foglio a chi ha voglia di riflettere. Parte egli da un dettaglio della cronaca recente e tenta con abilità da retore dell’epoca imperiale di trovare non la citazione (lo fanno in molti con un buon dizionario) ma il modello classico che su quel dato contingente getta la luce del pensiero di sempre, o meglio d’una certezza che la sanzione della storia ha dato all’opera di riferimento. E a un tratto la nostra quotidianità, che spesso reputiamo in modo non del tutto illegittimo essere fra le più sciocche della storia dell’umanità, ebbene questa quotidianità replicata ossessivamente dalla carta e dall’etere entra in un epos carico di echi. Prende dignità di storia per il fatto solo di poter essere paragonata a ciò che storia è diventato, e quindi classico.» (Dalla prefazione di Philippe Daverio)

Il volume rappresenta la prima monografia sul lavoro di Miltos Manetas. Raccoglie la produzione pittorica dell’artista realizzata nel corso degli ultimi 10 anni, dal 1997 al 2007. Il volume si presenta così come punto di riferimento per collezionisti e operatori del mondo dell’arte, che desiderino conoscere il lavoro del giovane artista. Il ricco apparato inconografico consente infatti di avere un’idea complessiva della sua produzione: grandi tele realizzate con la tecnica della pittura ad olio, con ampie campiture di colore dalle tonalità forti e accesi contrasti cromatici che confermano quanto Manetas sia un vero pittore moderno.

Questa nuova monografia dedicata ad Aldo Lanzini raccoglie la variegata produzione di un artista dal multiforme ingegno: dai pupazzi in feltro realizzati a mano (IllegalAliens) ai lavori all’uncinetto, dalle carte di grande formato eseguite a penna alle poesie visive. Il volume comprende un’intervista all’artista a cura della critica d’arte Alessandra Galasso, un racconto inedito di Tatiana Carelli, ispirato alle opere di Lanzini, e un ricco apparato iconografico.

La monografia è costituita da un’intervista all’artista realizzata da Ivan Quaroni e da un racconto di Tiziano Scarpa. Completa il libro un ricco apparato iconografico che presenta le opere di questo esponente dell’arte videoludica.

Dominique Laugé è un fotograto di riconosciuta fama, affermatosi nel mondo pubblicitario. L’occhio incantato presenta la sua più recente ricerca ricerca nel mondo della natura, alla ricerca delle mille luci e ombre che fanno vivere di emozioni la superficie del mare, ghiacciai e ceneri vulcaniche, campi aridi, boschi autunnali, campi in fiore, portando alla mente il lavoro di un grande fotografo quale Ansel Adams. Ma la ricerca di Laugé non si limita alla tecnica fotografica e ai soggetti, prosegue oltre, al supporto sul quale stampare le proprie opere. Per questa serie di immagini Laugé ha selezionato una carta fatta a mano studiata appositamente per esaltare i contrasti delle fotografie; Il libro, pur nei limiti di una produzione non artigianale, cerca di ritrasmettere le stesse sensazioni delle opere originali.

Gli artisti contemporanei amano confrontarsi con i materiali e i mezzi che la società crea e fa diventare strumenti quotidiani, come i videogiochi. Come si può fare arte con dei videogiochi? Miltos Manetas fa dell’hardware e dei giocatori soggetti per le sue tele; Todd Deutsch fotografa i giocatori durante estenuanti tornei; Tobias Bernstrup crea performance musicali e inventa mondi fantastici; Eddo Stern costruisce fortezze e navi animate con i video; Jon Haddock riproduce graficamente eventi di cronaca; Alison Mealey e Delire riprogrammano il gioco trasformandolo in uno “strumento di pittura automatico”. Il volume è una pubblicazione unica per respiro e approfondimento (32 artisti internazionali, oltre 320 immagini a colori), il primo punto di riferimento per l’arte fatta con e sui videogame, un’analisi dell’universo videoludico e delle sue svariate forme espressive, una voce per liberare il videogioco dalla nomea di “strumento diabolico” di ottenebramento cerebrale e dargli dignità di espressione culturale. Rivolto a un pubblico internazionale, offre al pubblico italiano la traduzione integrale dei testi critici.

In questa monografia Ivan Quaroni, attraverso un’intervista all’artista, ne documenta il percorso creativo dall’esordio con le sculture fino all’approdo ai grandi quadri dell’ultima fase di produzione. Le figure filiformi di Valeria Agosti Nelli, siano esse disegnate o scolpite, sono la sigla di uno stile unico, maturato attraverso anni di disciplinato lavoro. Nel volume sono riprodotti i disegni e le opere realizzate con l’impiego di materiali fragili ed effimeri come la carta, il legno, la lana e la cartapesta. Completa la monografia il racconto inedito dal grande scrittore Roberto Piumini, evocante le suggestioni delle opere della Agosti Nelli.

La monografia si apre con uno scambio epistolare tra Giancarlo Neri e il critico inglese Richard Cork, autore anche di un saggio introduttivo al lavoro dell’artista. Di seguito, a partire da Lo Scrittore, si propone la lettura dei racconti di Melania Mazzucco e Nicholas Blincoe ispirati alla grande installazione, per poi ripercorrere il lavoro di Giancarlo Neri, dalle installazioni alle sculture ai disegni attraverso le sue stesse parole e un corposo apparato iconografico.

Alessandra Galasso racconta la straordinaria performance di Keith Haring nel giugno del 1984 nella galleria di Salvatore Ala a Milano. Pubblicazione in uscita a Settembre 2005 in coincidenza con la mostra su Keith Haring alla Triennale di Milano. Il libro riprende il progetto editoriale originario ideato da Keith Haring nel 1984 per il catalogo, mai realizzato, della sua grande mostra personale a Milano presso la galleria Salvatore Ala. A venti anni dalla mostra di Milano e a 15 anni dalla scomparsa del geniale artista statunitense, Johan & Levi editore, ha deciso di ‘tirare fuori dal cassetto’ questo progetto rimasto incompiuto e di realizzare il volume. Il libro, a cura di Alessandra Galasso, comprende brani tratti dai Diari di Keith Haring in cui si raccontano i preparativi della mostra ed il rapporto dell’artista con Milano, un’intervista al gallerista Salvatore Ala, un testo della curatrice che analizza la mostra del 1984 e ne ricontestualizza il significato. Conclude una rassegna stampa grazie alla quale è possibile rivivere, attraverso le parole di giornalisti e critici, il clima che ha caratterizzato l’evento. I testi sono accompagnati da decine di fotografie a colori e in bianco e nero tra cui spiccano le riproduzioni di tutte le opere presenti in mostra, che furono ideate e create per l’occasione, come ad esempio le celebri sculture del David di Michelangelo rivisitato, numerose foto storiche che documentano Keith Haring mentre realizza le opere all’interno della galleria a Milano, immagini della vernice che ritraggono, oltre a Haring, numerosi ospiti tra cui Roy Lichtenstein.