L'avventura del modernismo

Antologia critica

Questo volume offre la più ampia raccolta italiana di scritti di Clement Greenberg (1909-1994), autore indispensabile per chiunque si interessi all’epoca carica di rivoluzioni formali che dalla fine dell’Ottocento in poi vede il rapido succedersi delle avanguardie artistiche.
Figura fra le più influenti e controverse della critica d’arte americana del Novecento, Greenberg assiste al declino dell’illusionismo tridimensionale della pittura da cavalletto e testimonia il progressivo affermarsi dell’astrattismo, fino al traguardo della piattezza radicale che è per lui cifra del modernismo. Tra i primi a intuire il valore dirompente della pittura di Jackson Pollock e degli espressionisti astratti americani, egli sdogana successivamente gli esponenti della Post-painterly Abstraction, tra cui Morris Louis e Kenneth Noland. Con un corpus di oltre trecento scritti, il magistero critico militante di Greenberg attraversa più di quarant’anni di nuova arte americana, contribuendo in modo decisivo a spostare il baricentro dell’arte mondiale da Parigi a New York.
La selezione dei testi qui proposti è volta a sottolineare l’impronta europea del pensiero critico di Greenberg. La matrice kantiana, quella trotskista, ma anche quella italiana proveniente da Benedetto Croce e Lionello Venturi, delineano il profilo di un critico che ha saputo scandagliare in modo esemplare le vicende del modernismo nelle arti visive rivendicandone i valori di oggettività. A un’acuta analisi socio-culturale del fenomeno della massificazione della cultura e delle sue conseguenze sociali, Greenberg accosta questioni a lungo dibattute come quelle del bello e della qualità, dei valori oggettivi in arte, mosso dal bisogno impellente di opporre un fronte di resistenza al degrado del kitsch e dell’accademismo.
Tuttora oggetto di diatribe e indiscusso promotore dell’arte americana, Greenberg rimane un interprete di primo piano del modernismo.
A più di quindici anni dalla morte, il suo lascito è imprescindibile per orientarsi nel complesso panorama artistico della seconda metà del xx secolo.

Libro

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Scritto da	Clement Greenberg
A cura di	Giuseppe di Salvatore Luigi Fassi
Argomento	Teoria
Collana	Saggi d'arte
Editore	Johan & Levi
Dimensioni	cm 15.5 x 23
Pagine	448 pagine
Pubblicazione	06/2011
ISBN	9788860100375

Teoria

Sommario

Indice testuale

Prefazione, Greenberg for Italians di Caroline A. Jones
Introduzione, di Giuseppe Di Salvatore e Luigi Fassi
Parte prima - Posizioni teoriche
Introduzione alla Parte prima
1.1 Avanguardia e kitsch
1.2 Verso un più nuovo Laocoonte
1.3 Arte astratta
1.4 Recensione di una mostra di Hans Hofmann e un riesame delle teorie di Mondrian
1.5 L’anello mancante: recensione di Saggio sull’uomo di Ernst Cassirer
1.6 Sul guardare i quadri: recensione di Paintings and Painters: How to Look at a Picture: From Giotto to Chagall di Lionello Venturi
1.7 Lettera al direttore di The Nation
1.8 La crisi della pittura da cavalletto
1.9 Irrilevanza versus irresponsabilità
1.10 Il ruolo della natura nella pittura modernista
1.11 La nuova scultura
1.12 La religione e gli intellettuali: un simposio
1.13 Astratto e figurativo
1.14 Introduzione a una mostra di Barnett Newman
1.15 Le ragioni dell’arte astratta
1.16 Pittura modernista
1.17 L’identità dell’arte
1.18 Lagnanze di un critico d’arte
1.19 Necessità del “formalismo”
1.20 Il gusto può essere oggettivo?
Parte seconda - Greenberg critico dell’arte moderna
Introduzione alla Parte seconda
2.1 Recensione di mostre di Joan Miró, Fernand Léger e Wassily Kandinsky
2.2 Seurat, scienza e arte: recensione di Georges Seurat di John Rewald
2.3 Recensione delle mostre di Joan Miró e di André Masson
2.4 Pittura surrealista
2.5 Le attuali prospettive della pittura e della scultura americana
2.6 La situazione attuale
2.7 La necessità degli antichi maestri
2.8 Lo stile del nostro periodo
2.9 L’ibridismo della scultura moderna
2.10 Gli antichissimi maestri
2.11 La pittura “di tipo americano”
2.12 Recensione di Four Steps Toward Modern Art di Lionello Venturi
2.13 Il prezzo di mercato di Jackson Pollock va alle stelle
Parte terza - Analisi sociale e contesto culturale
Introduzione alla Parte terza
3.1 L’Opera del mendicante. Dopo Marx: recensione dell’Opera da tre soldi di Bertolt Brecht
3.2 Uno sguardo dall’America
3.3 America, America!: recensione di The Mind’s Geography di George Zabriskie e The Poem of Bunker Hill di Harry Brown
3.4 Risposta a “Un’inchiesta sul materialismo dialettico”
3.5 Il Dickens ebreo: recensione di The World of Sholom Aleichem di Maurice Samuel
3.6 Sotto i quaranta: un simposio sulla letteratura americana e la giovane generazione di ebrei americani
3.7 La Federation of Modern Painters and Sculptors e il Museum of Modern Art
3.8 Lettera al direttore di Politics
3.9 Eliot e le nozioni di cultura: una discussione
3.10 Recensione del balletto Dim Luster di Anthony Tudor
3.11 Lettera al direttore di The Nation
3.12 “Americanismo” fuori posto: recensione di Preface to an American Philosophy of Art di A. Philip McMahon
3.13 Jean Dubuffet e l’Esistenzialismo francese
3.14 Una martire della bohème: recensione di Out of This Century di Peggy Guggenheim
3.15 Recensione della mostra annuale del Whitney Museum
3.16 Valéry, l’essenza dell’uomo di lettere: recensione di Sguardi sul mondo attuale di Paul Valéry
3.17 Lo stato della scrittura in America, 1948: un simposio
3.18 Il mercato newyorkese per l’arte americana
3.19 La condizione critica della nostra cultura
3.20 L’ebraicità di Franz Kafka: alcune fonti della sua particolare visione
3.21 Stereotipi americani: recensione di Cousins and Strangers a cura di S. Gorley Putt
Parte quarta - L’ultimo Greenberg
Introduzione alla Parte quarta
4.1 Recensione di una mostra di Joseph Cornell e Laurence Vail
4.2 Uno scambio critico con Thomas Hess su Art and Culture
4.3 La “crisi” dell’arte astratta
4.4 Astrazione post-pittorica
4.5 L’America passa alla guida, 1945-1965
4.6 La scultura recente
4.7 Pose avanguardiste: la nuova arte negli anni sessanta
4.8 Controavanguardia
4.9 Seminario n. 6
4.10 Moderno e postmoderno
4.11 Affrontare la decadenza
4.12 Arte e cultura
4.13 Risposta a “New York negli anni ottanta”
Annessi - Scritti biografici
5.1 Dichiarazione autobiografica
5.2 Una conversazione con Clement Greenberg in tre parti

1 set 2011

Arte_settembre 2011

17 lug 2011

Il Sole 24 Ore_17 luglio 2011

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Nato a Rotterdam nel 1904 e trasferitosi negli Stati Uniti nel 1926, Willem de Kooning fu con Gorky, Pollock, Rothko e Kline, uno dei massimi pionieri dell’Espressionismo Astratto, che segnò il passaggio della scena artistica mondiale da Parigi a New York.Di quel gruppo di pittori, de Kooning fu il più longevo e prolifico, continuando a creare immagini di sorprendente audacia fino agli anni ottanta. Attivo in diversi generi pittorici – dalla figura, al nudo femminile, ai paesaggi raffigurati al limite dell’astrattismo totale – elaborò molti stili diversi, ognuno tenacemente personale e allo stesso tempo riflesso di importanti movimenti che hanno animato la cultura americana del Novecento.La storia di de Kooning, dal suo imbarco clandestino su una nave fino all’approdo alla celebrità, ricalca il più classico dei miti americani, quello dell’emigrante che attraversa l’oceano alla ricerca di una vita migliore, vivendo sulla propria pelle povertà, successo e fallimento.Mark Stevens e Annalyn Swann, con una ricerca decennale incentrata su centinaia di interviste e un corpus di lettere e documenti inediti, offrono la prima imponente biografia di questa complessa e romantica figura.De Kooning. L’uomo, l’artista è un ritratto vivo e ricco di dettagli che ricostruisce la vita del pittore, dagli anni difficili a Rotterdam – la miseria, la precarietà e i rapporti violenti con la famiglia; la formazione accademica; il primo impiego nell’arte decorativa – fino all’arrivo negli Stati Uniti, dove, negli anni della Depressione, lottò con caparbietà per imporsi come artista americano. Gli esordi negli Stati Uniti sono segnati dall’influenza di Gorky, anch’egli immigrato, che fu per de Kooning non solo un mentore ma il modello di riferimento grazie al quale scoprì di voler sacrificare tutto all’arte. Solo nel 1948 la prima personale alla Egan Gallery palesò il suo talento a critici come Rosenberg e Hess, che da quel momento fecero a gara per celebrarlo, riconoscendone il ruolo di guida carismatica della Scuola di New York, ai suoi albori sulla scena internazionale.Fra la fine degli anni quaranta e l’inizio dei cinquanta il suo matrimonio tumultuoso con Elaine Fried, a sua volta una figura celebre del mondo dell’arte, entrò in crisi. All’apice della fama, de Kooning si lasciò travolgere da un turbine autodistruttivo fino a diventare protagonista di un nuovo mito americano, quello dell’uomo divorato dal suo stesso successo: se di giorno dipingeva potenti astrazioni e provocatorie figure femminili, la notte viveva al Cedar Tavern o per strada come un barbone, fra eccessi di alcol, seduzioni spregiudicate o accese discussioni con gli amici Franz Kline e Frank O’Hara.Negli anni sessanta, prostrato dal febbrile mondo dell’arte e quasi distrutto dal successo, si ritirò a Springs, Long Island, dove si dedicò a una straordinaria serie di pastorali lussureggianti, seguite da un vasto corpo di lavori eterei ed evocativi. Fino alla fine, piegato dalla demenza senile, de Kooning rimase il pittore di sempre, quello che trascorreva le giornate davanti alla tela e che non esitava a distruggere le proprie creazioni pur di rinnovare uno stile in perenne movimento e fatto di continui distacchi. Perché come lui stesso dichiarava: «Bisogna cambiare per rimanere uguali».

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Mark Stevens, Annalyn Swan

de Kooning

L'uomo, l'artista

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Dalla sua scomparsa nel 1968, l’influenza di Marcel Duchamp, «l’uomo più intelligente del XX secolo» nelle parole di André Breton, non ha smesso di imporsi nel paesaggio dell’arte contemporanea. Dal Futurismo al Cubismo, dal Dadaismo al Surrealismo, la sua arte si intreccia alle grandi avventure estetiche del Novecento senza mai ridursi a nessuna di esse.Se Picasso insiste nel propugnare la figura dell’artista demiurgo, Duchamp, grazie all’invenzione del ready-made, incarna invece il modello dell’artista contemporaneo ed è riconosciuto a partire dagli anni sessanta come fonte incontestabile di ispirazione da parte delle giovani generazioni di artisti.Molto è stato scritto sulla sua opera, ma assai di meno sulla sua vita. Una vita che Duchamp costruisce al di fuori delle categorie correnti, non già come artista o anarchico ma, per riprendere un suo neologismo, come “anartista”. Eleganza distaccata, libertà di indifferenza, compenetrazione dei contrari – cui si aggiungono una costante rivendicazione della pigrizia e un disprezzo fisiologico per il denaro – diventano in lui gli strumenti originali di un modo inedito di porsi di fronte al mondo e alle cose. «Preferisco vivere, respirare piuttosto che lavorare.» Duchamp si è pronunciato spesso sulla propria vita con caustiche dichiarazioni che nel loro insieme delineano una personale economia di vita (ridurre i bisogni per essere davvero liberi) e una vera e propria arte di vivere.La più bella opera di Marcel Duchamp, secondo Henri-Pierre Roché, era l’impiego del suo tempo. Da tale ipotesi prende le mosse il libro di Bernard Marcadé, dalla forte convinzione cioè che l’esame circostanziato della vita di Duchamp costituisca una via d’accesso privilegiata alla comprensione della sua arte. Definendo il readymade una sorta di appuntamento, egli stesso ci lascia intuire l’importanza degli eventi della vita quotidiana nell’ideazione delle proprie opere. Gli elementi biografici in gioco – incontri, amicizie, segreti, corrispondenze, relazioni amorose – non rappresentano soltanto il contorno aneddotico e marginale dell’opera, ma ne costituiscono, in quanto “biografemi”, le componenti fondamentali.

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Bernard Marcadé

Marcel Duchamp

La vita a credito

€32,00

Parigi, 1° luglio 1867, inaugurazione dell’Esposizione Universale: la Guerra di Secessione è finita, i paesaggisti statunitensi, esponenti della prima autentica scuola americana, ritornano in Europa convinti di meritare elogi, premi, medaglie. Ma anziché un trionfo li aspetta una cocente sconfitta: la critica francese distrugge il loro sogno di successo stroncando con frecciate sarcastiche e commenti crudeli le grandi tele gremite di cascate maestose, alberi secolari, orizzonti smisurati, insomma tutto quanto ha di meglio da offrire una nazione che smania di affermarsi nel settore artistico come sta facendo in campo economico. L’esposizione americana, dicono i francesi, «è indegna dei figli di Washington […] giovane e grezza, in mezzo alle nostre vecchie culture fa l’effetto di un gigante sperduto in una sala da ballo».L’inattesa umiliazione sfocia anzitutto su un esame di coscienza: perché la patria di Melville e Poe è incapace di generare pittori di forza espressiva pari a quella dei suoi maggiori scrittori? Che cosa devono fare i pittori di una giovane nazione per farsi rispettare dai paesi del vecchio mondo? È possibile colmare il divario abissale che li separa dall’arte europea? Per il momento non hanno scelta: sono costretti a piegarsi al gusto dei francesi, sono loro gli arbitri indiscussi della pittura mondiale. In realtà l’insuccesso parigino del 1867 diventa lo stimolo che condurrà i “figli di Washington” a trasformare in sfida lo scacco patito. A centinaia i pittori americani partono per la Francia, si stabiliscono a Parigi, dove frequentano i corsi di maestri del calibro di Gérôme e Cabanel; poi fondano nuove “colonie” di artisti, come quella di Pont-Aven, in Bretagna, diventata leggendaria. L’affermazione dei più grandi – Whistler, Sargent, la Cassatt – aprirà la strada del successo a una selva di pittori che, nell’arco di due generazioni, sostenuti in patria dalle impressionanti risorse di mecenati e filantropi e da straordinarie strutture espositive (prima fra tutte il MoMA di New York), riusciranno a eclissare Parigi, facendo dell’America la nuova terra d’elezione dell’arte, il centro pulsante della pittura mondiale che attirerà a sé anche notissimi artisti francesi.L’epopea dei pittori americani raccontata da Cohen-Solal spazia da Parigi a New York, da Giverny a Chicago, da Pont-Aven a Taos, per approdare alla Biennale di Venezia del 1948, dove vengono esposte per la prima volta in Europa otto tele di un artista ignoto ai più, Jackson Pollock, che di lì a poco verrà celebrato nel mondo intero come primo e assoluto maestro della pittura americana.

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Annie Cohen-Solal

Americani per sempre

I pittori di un mondo nuovo: Parigi 1867 - New York 1948

€31,00

L’incomprensione è parte integrante delle relazioni umane, e quando a comunicare sono Erwin Panofsky, il massimo teorico dell’iconologia medievale e rinascimentale, e Barnett Newman, esponente e principale teorico dell’Espressionismo Astratto, il disastro è assicurato. Soprattutto se nessuno è intenzionato a scendere a patti. Una polemica attorno al termine “sublime” dà il la per una riflessione molto più ampia sullo stato dell’arte aniconica. Negli Stati Uniti in particolare questa si è voluta annunciare completamente aliena non solo nei confronti della tradizione figurativa e delle categorie del bello formale e del classicismo di stampo europeo, ma anche rispetto alla stessa arte astratta del Vecchio Continente. L’astrattismo americano aveva come obiettivo principale quello di liberarsi da ogni proporzione e dalla rigidità delle forme e della geometria, senza per questo rinunciare al contenuto, aspetto che critici e teorici come Panofsky faticavano anche solo a immaginare.In questa antologia di saggi, curata da Pietro Conte, emergono le posizioni di sostenitori e detrattori di quella corrente che ha posto come obiettivo la costante ricerca, il tentativo di suscitare un terrore mescolato al piacere, con la perdita di tutte le coordinate e i punti fermi, esprimendo ancora, ma in modo completamente nuovo, il sublime.

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Pietro Conte

Il sublime astratto

€20,00

Correva l’anno 1993 quando Dave Hickey, l’enfant terrible della critica d’arte, galvanizzato dalla polemica intorno all’esposizione del Portfolio X di Robert Mapplethorpe, decise di scagliare un feroce attacco contro l’establishment accademico trascinando sotto i riflettori un tema passato di moda: la bellezza. Demonizzata e accusata di connivenze con le logiche di mercato, da tempo quest’ultima si aggirava come uno spettro per le rovine del dibattito estetico, seminando imbarazzo in seno alle nuove istituzioni “terapeutiche” – i musei, le gallerie e l’intero art system. Come sacerdoti di un culto misterico, seguendo i dogmi di Greenberg e Barr, i professores avevano mistificato la pratica artistica con elevate disquisizioni teoretiche, sostenuti da una corrosiva diffidenza nei confronti di tutto ciò che fosse avvenenza e seduzione, “bellezza” appunto.In questi quattro saggi – più simili a un manifesto che a una discussione garbata – il critico texano punta dritto al bersaglio e ricorda quanto nei secoli autori come Raffaello, Caravaggio e Warhol abbiano sfruttato la pura forma per stabilire un rapporto immediato fra l’osservatore e il contenuto delle loro immagini, in un processo democratico e liberatorio.A trent’anni dalla prima pubblicazione negli Stati Uniti il drago evocato da Hickey dispiega ancora una volta le sue ali e riversa, senza risparmiare nessuno, la sua prosa infuocata, provocatoria e senza filtri. Del tutto indifferente alle antipatie che può suscitare.

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Dave Hickey

Il drago invisibile

Quattro saggi sulla bellezza

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